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En quoi la création musicale peut-elle être innovante ?
11 mai 2021

La musique au moyen-Âge

À un moment donné, la musique était un acte physique de deux personnes jouant ensemble. Dans cette période, nous voyons un changement dans la musique qui a été écrite et comment les instruments ont été joués. Les pièces instrumentales étaient dirigées par un soliste, plusieurs parties étant interprétées simultanément par d'autres musiciens tels que des chanteurs et des instrumentistes comme le violoniste ou le flûtiste. Cela a également contribué à la vivacité de ces performances, car les interprètes ajoutaient des fioritures à leur jeu pendant certaines sections. Il y avait aussi de nombreux genres différents de pièces écrites et interprétées sur cette période de temps comme laïque, sacré et dithyrambique.

La musique du Moyen Âge peut être considérée comme très similaire à la musique écrite à la fin de la période baroque. En regardant le style de la musique instrumentale, nous voyons un glissement de la période pré-médiévale (où la plupart des musiciens jouaient des parties individuelles) à un style d'écriture plus homophonique (où nous voyons chaque partie jouée simultanément). En outre, en regardant le style de la musique vocale, nous voyons des parties vocales plus complexes qui ont été utilisées pendant cette période. Contrairement à la période baroque plus ancienne, où la forme d'art des performances vocales en solo était étrangère (et non courante), ces pièces ont été écrites par des compositeurs célèbres pour être interprétées sur un ensemble de chanteurs.

Le Moyen Âge a également vu le développement de nombreuses chansons et pièces musicales différentes qui ont été interprétées de nombreuses manières spécifiques.

La musique instrumentale se composait de deux parties: une mélodie et un rythme. Une mélodie est ce que nous entendons en écoutant une chanson, tandis que le rythme est ce que nous ressentons car il fournit l'impulsion qui détermine le moment où les périodes de temps sont jouées (en d'autres termes, il nous aide à comprendre comment ressentir et réagir lors de l'écoute) . La période entre ces deux aspects est connue sous le nom de forme. Quelque temps après que ces deux parties aient été écrites, la musique a été présentée pour être interprétée par un groupe de personnes. À cette époque, les solistes ne faisaient pas partie de l'ensemble musical normal et seul un certain nombre d'instrumentistes étaient nécessaires pour accompagner la musique.

Les interprètes de la musique devaient travailler ensemble pour interpréter des pièces instrumentales qui contenaient plusieurs parties différentes. Un exemple de ceci est lorsque nous voyons une flûte solo jouée sur un orchestre (un instrument de groupe). La flûte est un instrument de l'ensemble tandis que l'orchestre permet de jouer d'autres instruments afin qu'ils puissent interagir les uns avec les autres. Une flûte solo ne suffit pas pour remplacer un orchestre entier, et donc le soliste joue une mélodie différente de celle que l'orchestre joue un rythme. Les deux mélodies sont ensuite combinées ensemble à la fin du morceau où elles sont jouées simultanément (éventuellement dans des octaves différentes).

Tout en jouant avec un autre groupe, les musiciens ont également joué de la musique destinée à être diffusée en public. Cette musique est généralement connue sous le nom d'œuvres sacrées ou d'œuvres profanes. La musique sacrée est écrite pour être interprétée par un groupe de personnes à des fins religieuses, et parfois elle contenait des textes religieux qui ont été prononcés à haute voix pendant la représentation. La musique profane n'avait pas de signification religieuse spécifique mais était plutôt utilisée pour le divertissement ou la représentation publique.

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