En quoi la création musicale peut-elle être innovante ?

Introduction:

Musique - à quoi ça sert?

Ce n'est pas un article scientifique, mais plutôt un article sur la musique et les effets qu’elle peut avoir sur notre vie. Pour en parler, on va utiliser l'exemple d’une personne qui a de la difficulté à dormir. Notre but est de savoir si le son crée une sensation agréable ou l’inverse.

Le Rhythme et la Musique:
Le son crée un rythme dans notre esprit. La musique, comme tout autre savoir, a des bons et des mauvais côtés.

Les Effets sur le corps:
La bonne nouvelle, c’est que la musique génère de l’énergie. En d'autres termes, cela vous maintient actif.

Le rythme crée une sensation agréable dans notre esprit:
C’est grâce à ce phénomène que nos chansons préférées nous rendent heureux !

La musique crée de l’harmonie dans la maison:
L’harmonie est quand les personnes qui habitent la même maison se sentent bien. Quand on sent qu’il y a de l’harmonie, on rayonne d'une joie sans pareille (voir ci-dessous).

Conclusion:
La musique crée une sensation agréable dans notre esprit, nous rend actifs et amène de l’harmonie dans la maison. Ajoutons à cela que nous avons de plus en plus envie d’écouter de la musique. Elle nous donne un sentiment étrange de plénitude après chaque écoute. La musique est une technique d’extase spirituelle accélérée.

Cet article discute de la manière dont la musique a eu un impact sur l'évolution humaine en affectant le corps humain physiquement et psychologiquement. Il commence par une brève description du fonctionnement de notre cerveau, puis présente une grande variété d'études qui explorent les variations culturelles des préférences musicales liées à certaines fonctions cérébrales. Il se termine par des réflexions sur la façon dont ces études peuvent se connecter à de nouvelles découvertes possibles sur la musicothérapie pour diverses conditions mentales telles que l'anxiété, la dépression et l'autisme.

La musique est une partie importante de l'expérience humaine, en maintenant des liens clés entre la société et l'éducation tout au long de l'histoire. La génération de musique que nous entendons est un phénomène social, en constante évolution afin de créer un sentiment de communauté et de sentiment partagé. Les gens chantent des chansons, dansent sur des airs et jouent des instruments de musique pour de nombreuses raisons différentes. Lorsque la musique est jouée et entendue, elle atteint les oreilles des autres dans une langue qu'ils peuvent comprendre. La musique change au fil du temps à mesure que de nouveaux instruments rythmiques sont créés et que les anciens sont jetés, que de nouvelles mélodies sont développées ou modifiées par les chanteurs, et que les périodes musicales se produisent avec des changements dans la façon dont la musique est interprétée pour un public spécifique.

La musique a été utilisée dans divers contextes culturels tout au long de l'histoire en raison de sa capacité à transcender les barrières linguistiques et à communiquer à travers le temps afin que les individus s'identifient à des sentiments similaires lorsqu'ils écoutent de la musique qu'ils ont autrefois entendue. Par exemple, la musique de différentes cultures peut être comprise par des auditeurs qui parlent une langue commune. L'histoire de la musique est importante car elle montre comment les gens ont tissé des liens entre eux grâce à la musique dans différentes zones géographiques. La musique est un moyen pour les gens de partager et d'apprendre sur eux-mêmes et le monde qui les entoure. Lorsqu'il est interprété par des musiciens qualifiés, il permet une réalisation si complexe qu'il faut des années à réaliser, aboutissant à la création d'un type particulier d'œuvres d'art qui se distingue par sa beauté inhérente.

Dans le cadre de l'expérience humaine, nous avons développé une compréhension intellectuelle du fonctionnement de notre cerveau ainsi qu'un attachement émotionnel à la musique. La musique est une forme d'entrée sensorielle qui peut causer du plaisir ou de la douleur (indiquée par la libération d'endorphines) et peut être utilisée à de nombreuses fins différentes.

France, vers 1500 ans La musique a toujours joué un rôle important dans la vie humaine. La musique a accompagné notre existence tout au long de l'histoire depuis environ 10000 ans à travers ce que l'on appelle l'ère paléolithique jusqu'à nos jours. La production musicale la plus importante a eu lieu à l'époque médiévale, puis à l'époque de la Renaissance, lorsque des instruments tels que le clavecin, le luth et le violon sont devenus populaires ainsi que des méthodes améliorées de notation musicale. Le 17ème siècle a inauguré de nombreux nouveaux instruments tels que les violons d'amour ou les violes de gambe qui sont encore utilisés aujourd'hui. Au 18ème siècle, des cuivres tels que les trombones ont été introduits qui ont révolutionné le progrès musical avec leur son devenant encore plus puissant et expressif. Le 19e siècle a marqué l'introduction du saxophone et le 20e siècle a vu l'apparition d'instruments électriques tels que les synthétiseurs et les ordinateurs dans la musique.

La Musique Antique: Musique de la Grèce antique à la Renaissance

Dans la Grèce antique, la musique était principalement formée de musique instrumentale et vocale ou de chant choral. La culture grecque qui a produit de grands philosophes comme Platon a décrit la musique comme "l'art de combiner les sons pour donner du plaisir". L'importance de la musique est soulignée par les législateurs grecs qui prévoient dans leurs lois un magistrat nommé «citharodicien» dont le devoir est de contrôler les chanteurs lors d'un banquet ou lors de cérémonies religieuses. Les Grecs considéraient que la musique avait un effet thérapeutique et était utilisée pour soulager la douleur ainsi qu'à des fins curatives. Le premier instrument de musique connu développé par les Grecs de l'Antiquité est une flûte qui a été découverte dans la grotte Dikili Tash sur l'île de Crète par des archéologues. La flûte est composée de sept os d'oiseaux et son âge est estimé entre 7000 et 8500 ans. La plus ancienne représentation musicale connue est une représentation graphique sur une tablette de pierre égyptienne datant de 3000 avant JC. Il montre un harpiste égyptien jouant une harpe triangulaire avec cinq rangées de danseurs se déplaçant rythmiquement au rythme de la musique.

Les Grecs trouvaient que la flûte produisait un son résonnant et ne savaient pas que la longueur d'un tube pouvait être modifiée pour modifier la hauteur. Ils ont cependant découvert que la longueur d'une corde pouvait être modifiée, ce qui permettait de produire des notes harmonisées. Les Grecs ont également probablement été les premiers à utiliser des cordes pour rendre possible des instruments avec moins de bruit et une production plus facile de sons plus complexes en découvrant le principe de la flexion des cordes. Platon s'intéresse aux mathématiques et à la musique: "Curieux de toutes sortes de choses, il étudie tout, de l'astronomie à la zoologie, de la logique à la géométrie, à la rhétorique, à la musique et à la médecine".

La musique est une forme d'art dans laquelle des choix individuels sont faits afin de créer un type de son particulier et se compose d'un large éventail d'influences culturelles. Cela signifie que l'aspect ou le style de musique que nous choisissons d'écouter est lié à des réseaux spécifiques dans notre cerveau. La musique a un impact sur le cerveau d'une personne non seulement émotionnellement mais aussi physiquement, ce qui a permis aux chercheurs de démontrer comment les préférences musicales varient d'une culture à l'autre.

La recherche a montré que les préférences musicales de différentes cultures sont connectées à des réseaux neuronaux distincts, qui sont les voies que notre cerveau utilise pour traiter l'information. Plus nous avons de choix musicaux, plus l'activité cérébrale est excitée. Cela signifie que les différences de préférence musicale entre les individus sont distinctes les unes des autres en raison de leurs différents modèles neuronaux. Certains de ces modèles créent un état de plaisir et d'autres un état de douleur dans une région particulière du cerveau (l'insula antérieure) qui se connecte à nos émotions et à nos réactions intestinales. Par exemple, les personnes qui préfèrent la musique heavy metal ont une sensibilité accrue dans ce domaine par rapport aux personnes qui préfèrent la musique classique symphonique ou aux personnes qui préfèrent la musique country.

La façon dont nous interagissons avec le monde qui nous entoure est également influencée par nos préférences musicales. Par exemple, les personnes ayant une préférence innée pour la musique country sont plus susceptibles d'être plus actives physiquement que les personnes qui préfèrent la musique classique. Une étude menée auprès d'adolescents a montré que les personnes qui préfèrent la musique heavy metal sont plus susceptibles d'avoir un taux de testostérone plus élevé dans leur sang que celles qui préfèrent la musique classique ou pop. Cette augmentation du niveau de testostérone peut être associée à des comportements agressifs et à risque.

Comme on peut l'imaginer, ces études démontrent qu'il existe une grande variété d'impacts liés à nos préférences musicales sur la façon dont notre corps vit le monde. Les changements qui se produisent dans notre cerveau se reflètent dans notre corps et vice versa. Le mécanisme physique qui permet cette interaction est la réponse neurochimique du corps à l'émotion, qui est influencée par les interactions musicales. À leur tour, ces processus neurologiques influencent les changements de la composition chimique du corps suite à une exposition à la musique. Par exemple, les personnes qui écoutent de la musique heavy metal ont des niveaux de prolactine dans le sang inférieurs à ceux qui écoutent de la musique classique ou pop. Ce niveau inférieur de prolactine peut être associé à un comportement agressif et à des comportements à risque.

À un moment donné, la musique était un acte physique de deux personnes jouant ensemble. Dans cette période, nous voyons un changement dans la musique qui a été écrite et comment les instruments ont été joués. Les pièces instrumentales étaient dirigées par un soliste, plusieurs parties étant interprétées simultanément par d'autres musiciens tels que des chanteurs et des instrumentistes comme le violoniste ou le flûtiste. Cela a également contribué à la vivacité de ces performances, car les interprètes ajoutaient des fioritures à leur jeu pendant certaines sections. Il y avait aussi de nombreux genres différents de pièces écrites et interprétées sur cette période de temps comme laïque, sacré et dithyrambique.

La musique du Moyen Âge peut être considérée comme très similaire à la musique écrite à la fin de la période baroque. En regardant le style de la musique instrumentale, nous voyons un glissement de la période pré-médiévale (où la plupart des musiciens jouaient des parties individuelles) à un style d'écriture plus homophonique (où nous voyons chaque partie jouée simultanément). En outre, en regardant le style de la musique vocale, nous voyons des parties vocales plus complexes qui ont été utilisées pendant cette période. Contrairement à la période baroque plus ancienne, où la forme d'art des performances vocales en solo était étrangère (et non courante), ces pièces ont été écrites par des compositeurs célèbres pour être interprétées sur un ensemble de chanteurs.

Le Moyen Âge a également vu le développement de nombreuses chansons et pièces musicales différentes qui ont été interprétées de nombreuses manières spécifiques.

La musique instrumentale se composait de deux parties: une mélodie et un rythme. Une mélodie est ce que nous entendons en écoutant une chanson, tandis que le rythme est ce que nous ressentons car il fournit l'impulsion qui détermine le moment où les périodes de temps sont jouées (en d'autres termes, il nous aide à comprendre comment ressentir et réagir lors de l'écoute) . La période entre ces deux aspects est connue sous le nom de forme. Quelque temps après que ces deux parties aient été écrites, la musique a été présentée pour être interprétée par un groupe de personnes. À cette époque, les solistes ne faisaient pas partie de l'ensemble musical normal et seul un certain nombre d'instrumentistes étaient nécessaires pour accompagner la musique.

Les interprètes de la musique devaient travailler ensemble pour interpréter des pièces instrumentales qui contenaient plusieurs parties différentes. Un exemple de ceci est lorsque nous voyons une flûte solo jouée sur un orchestre (un instrument de groupe). La flûte est un instrument de l'ensemble tandis que l'orchestre permet de jouer d'autres instruments afin qu'ils puissent interagir les uns avec les autres. Une flûte solo ne suffit pas pour remplacer un orchestre entier, et donc le soliste joue une mélodie différente de celle que l'orchestre joue un rythme. Les deux mélodies sont ensuite combinées ensemble à la fin du morceau où elles sont jouées simultanément (éventuellement dans des octaves différentes).

Tout en jouant avec un autre groupe, les musiciens ont également joué de la musique destinée à être diffusée en public. Cette musique est généralement connue sous le nom d'œuvres sacrées ou d'œuvres profanes. La musique sacrée est écrite pour être interprétée par un groupe de personnes à des fins religieuses, et parfois elle contenait des textes religieux qui ont été prononcés à haute voix pendant la représentation. La musique profane n'avait pas de signification religieuse spécifique mais était plutôt utilisée pour le divertissement ou la représentation publique.

Au XVIe siècle, la place de la musique connaît un énorme changement. La plupart des instruments à cordes pour lequel les premiers musiciens étaient utilisés sont remplacés par des instruments à percussion. Les nouvelles techniques musicales proposent une combinaison inédite entre ce que Gil Vicente appelait de "l'imitation" (la répétition fréquente du même son le long d'une phrase musicale) et ce que nous appellerions aujourd'hui un accompagnement rythmique ponctuel. Dans ces conditions, nombreux sont ceux qui croient que la place de la musique est réduite puisque sa fonction première est d'accompagner la voix, et ce en raison du développement de l'oralité du chant. En fait, tout le contraire est vrai.

Avec son sens de l'improvisation et sa méthode "communicative", l'art de la musique trouve une place cruciale à la renaissance et sert d'assistant à nos plus grands écrivains au service de leur exigence poétique.

La musique joue un rôle important dans la première grande création lyrique de l'époque, la Commedia dell'arte, où le thème de la mort prêtée à Harlequin remplace toutes les représentations des "chariots du ciel" et des féeries.

La musique est aussi assimilée au discours, dans le Minne Song ("Musical travestissement") de William Shakespeare. Cette idée est également reprise, par la suite, par certains poètes anciens comme Catulle Mendès.

Mais le cas le plus marquant est celui d'Homère, qui s'inspire de l’alphabet phénicien pour mettre en musique L'odyssée. Le thème même de la chute d'Ulysse est en lien avec le mouvement du rondeau et la structure parfaite des mouvements musicaux.
Ainsi, la musique est bien la seule vraie aide-mémoire à l'oralité, en un temps où rédiger équivaut à perdre tous ses mérites et où les textes ne sont plus chantés.

De nos jours, la musique est devenue une des plus importantes sources de distraction pour les enfants. En effet, elle constitue pour eux une source d'émerveillement et d'intérêt, qui les fait échapper à l'ennui et l'ennui des parents.

Au XVIIe siècle, quoique la musique continue à être un divertissement essentiellement aristocratique, elle est entrée dans la sphère publique. Elle devient même l'un des principaux éléments de la défense de l'indépendance politique et religieuse des pays protestants qui se soulèvent contre les menaces du catholicisme et du pouvoir royal français.
On trouve dans les œuvres de la période baroque un ensemble d'œuvres musicales qui, à elles toutes, méritent une mention particulière : celles du compositeur historique Giacomo Carissimi (1525-1609).

Giacomo Carissimi est un compositeur italien, qui fut à la fois professeur et directeur de musique du pape Paul V (1544-1605). Ses compositions ont été publiées en 1566 et représentent les trois quarts de la musique à laquelle j'ai eu l'occasion d'assister au XVIIe siècle ; les autres composantes sont probablement celles de Guillaume Dufay, François Dufay ou Pierre Attaingnant.
Carissimi est le premier compositeur à avoir utilisé dans sa musique le système tonal, c'est-à-dire la possibilité de passer instamment d'un ton à l'autre sur une même note. Ce système apparaît au début du XVIIe siècle et a pour origine une évolution technique qui permet de jouer plusieurs notes simultanément. Le premier à avoir utilisé ce nouveau système est Frescobaldi, mais sans jouer plusieurs notes à la fois ; il en a donné la justification théorique dans ses œuvres. L'invention de ce nouveau système s'inscrit dans le processus de la transformation du modal au tonal.

L'auteur de la théorie musicale est le musicologue allemand Hans J. Hiller (1563-1622). C'est en mélangeant des idées et des arguments tirés du madrigal, du motet, du choral et de la harmonie qu'il a formulé cette théorie. La mise en pratique du tonalisme sert alors à enrichir les œuvres carissimiennes : il y a une grande liberté dans l'emploi de cette nouvelle méthode.

Au XVIIe siècle, quoique la musique continue à être un divertissement essentiellement aristocratique, elle est entrée dans la sphère publique. Elle devient même l'un des principaux éléments de la défense de l'indépendance politique et religieuse des pays protestants qui se soulèvent contre les menaces du catholicisme et du pouvoir royal français.
On trouve dans les œuvres de la période baroque un ensemble d'œuvres musicales qui, à elles toutes, méritent une mention particulière : celles du compositeur historique Giacomo Carissimi (1525-1609).

Giacomo Carissimi est un compositeur italien, qui fut à la fois professeur et directeur de musique du pape Paul V (1544-1605). Ses compositions ont été publiées en 1566 et représentent les trois quarts de la musique à laquelle j'ai eu l'occasion d'assister au XVIIe siècle ; les autres composantes sont probablement celles de Guillaume Dufay, François Dufay ou Pierre Attaingnant.
Carissimi est le premier compositeur à avoir utilisé dans sa musique le système tonal, c'est-à-dire la possibilité de passer instamment d'un ton à l'autre sur une même note. Ce système apparaît au début du XVIIe siècle et a pour origine une évolution technique qui permet de jouer plusieurs notes simultanément. Le premier à avoir utilisé ce nouveau système est Frescobaldi, mais sans jouer plusieurs notes à la fois ; il en a donné la justification théorique dans ses œuvres. L'invention de ce nouveau système s'inscrit dans le processus de la transformation du modal au tonal.

L'auteur de la théorie musicale est le musicologue allemand Hans J. Hiller (1563-1622). C'est en mélangeant des idées et des arguments tirés du madrigal, du motet, du choral et de la harmonie qu'il a formulé cette théorie. La mise en pratique du tonalisme sert alors à enrichir les œuvres carissimiennes : il y a une grande liberté dans l'emploi de cette nouvelle méthode.

La musique classique est l'art d'une composition, d'une pièce ou d'une performance consacrée au chant (éventuellement aux voix solos), à la musique instrumentale et / ou aux instruments généralement considérés comme représentatifs de la musique" classique "et exécutés sur des instruments associés à la musique classique. Classique la musique est composée dans divers styles; alors que de nombreux genres sont basés sur ce modèle, certains s'inspirent de formes plus anciennes. 

La musique dans le genre classique peut être un sujet compliqué pour les débutants qui veulent une introduction pour comprendre de quoi il s'agit. Il y a beaucoup d'idées fausses sur le style classique, par exemple à quel point c'est facile, ennuyeux ou distant.

La vérité est que la musique classique est beaucoup plus difficile à comprendre et plus facile à tomber amoureux que vous ne le pensez. Cet article va décomposer certains des éléments les plus basiques et les plus basiques de la musique classique afin que vous puissiez avoir une longueur d'avance fantastique sur ce à quoi cela ressemble vraiment.

Pour commencer, rassemblons tout ce que nous savons sur la musique classique jusqu'à présent:

-Le terme fait référence aux types de musique qui sont généralement joués par des professionnels, tels que ceux joués dans les salles de concert ou dans les opéras, et qui sont généralement composés de la fin du XVIIIe siècle à nos jours. C'est vraiment un sujet énorme parce qu'il y a une quantité incroyable en jeu.

-La musique classique est le genre de musique qui remonte aux périodes baroque et Renaissance. C'est peut-être parce qu'il est normalement joué par des professionnels devant le public, ce qui en fait une extension du théâtre. Il est utile d'avoir une compréhension générale de ce que c'était à l'époque afin que le style classique soit mis en contexte.

-La musique est généralement composée comme un amalgame de différents styles, qui peuvent inclure des marches, des danses et même de l'opéra si elle n'est pas considérée comme classique.

-Votre musicien classique typique est généralement un professionnel à plein temps qui a été formé à la musique classique pendant une longue période. Leur musique est souvent jouée lors de concerts, à l'opéra, etc.

Alors maintenant que nous comprenonq les bases, jetons un coup d'œil à quelques exemples de morceaux de musique classique et comment ils sont interprétés.

Un exemple populaire: la 5e symphonie de Beethoven jouée par le New York Philharmonic sous la direction de Leonard Bernstein. Cette pièce est basée sur un thème d'une œuvre antérieure qui commence par des sons très inquiétants; cependant, il y a aussi des parties plus douces.

Dans la période romantique, on entend beaucoup de musique classique. La musique fut jouée pour danser, se réjouir et pleurer, la voix était essentielle dans ce genre de musiques. Les compositeurs des opéras étaient les maîtres du moment romantique selon une caractère tragique ou heureux, suivant le sujet qui a influencé celui-ci...
Dans la période classique, on entendait peu de musique romantique. La musique était un art principalement pour les riches. On entendait également beaucoup de chants religieux et des comédies musicales pour changer le comportement d'une personne.

Les compositeurs romantiques étaient mieux appréciés de la population que les compositeurs classiques. Les gens se souvienne plus facilement du nom du compositeur romantique que composer classique. Les compositeurs romantiques connaissaient parfaitement leur sujet et pouvaient exprimer bien leurs sentiments.

Les pièces d'opéra étaient traditionnellement joué à la fin de chaque étape d'une vie sentimentale pour marquer une fin définitive. La musique de l'amour et du bonheur permettait aux gens de se souvenir des événements les plus importants d'une personne. Selon les opéras romantiques, le compositeur utilisait des rythmes, des notes puissantes et émotives qui ressemblent à la vie.

C'est en 1826 que le compositeur germanique Robert Schumann a créé le premier quatuor à cordes avec piano. Son nom était "Quatuor en mi bémol majeur"

La musique de la période romantique vient de l'Angleterre. La musique écossaise a été un grand moteur durant son époque d'avant l'instauration du pouvoir royal et la renaissance. Pour les pâtissiers, les chanteurs, les tanneurs, qui rassemblait la population des paysans dans des foyers pour se réchauffer, il y avait de nombreuses occasions de jouer des pièces de théâtre. La musique en ces lieux était aussi utilisé comme gardien de troupeaux pour les fermiers et les agriculteurs.

La musique romantique est la même que la musique classique, seulement qu'elle possède d'autres caractéristiques. La première dont on parle est le rythme, qui sont très rapide et dirigé. Mais la plus spéciale est celle du violon. En effet, le violon ne possède que six cordes, et est toujours utilisé en premier dans les musiques romantiques. Le violon n'a pas seulement été utilisé pour son rythme et ses notes impressionnantes, mais aussi pour le jeu des cordes.